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La mejor guía para lograr impresionantes fotografías de danza

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Difficulty:IntermediateLength:MediumLanguages:

Spanish (Español) translation by Elena Pari (you can also view the original English article)

Cada dos semanas revisamos algunos de los artículos favoritos de nuestros lectores en la historia de Phototuts+. Este tutorial fue publicado por primera vez en octubre de 2009.

La razón por la cual la fotografía atrae a mucha gente es su habilidad para comunicar una idea de manera universal. La escritura, el habla e incluso la música dependen del idioma, pero la fotografía no. Por lo general, una buena foto en Inglaterra es una buena foto en China, pero una buena novela en inglés es solo un conjunto confuso de símbolos para alguien que no habla el idioma. Hay otra forma de arte que tiene casi el mismo encanto universal e incluso más aceptación general: la danza.

Esta vez veremos varios consejos y técnicas para aplicar en la fotografía de danza, de manera que estés completamente preparado para capturar imágenes espectaculares de esta forma de arte.

dance photography tutorial

Tal como cuando miramos una foto, para ver a alguien bailar no se necesita saber el idioma. Si bien la danza no requiere ningún equipo sofisticado ni costoso, desafortunadamente, tomar buenas fotos de danza requiere mucha práctica (y un equipo sofisticado puede ayudar). La razón por la que me atrae la fotografía de danza es que contiene un rompecabezas o paradoja. La fotografía es un arte silencioso y estático, mientras que la danza es el arte en movimiento. Tratar de capturar y expresar movimiento mediante una imagen inmóvil puede ser un verdadero reto. Pero no tengas miedo, estoy aquí para ayudarte. La siguiente foto muestra un baile tradicional hawaiano que emplea el movimiento de las manos para simbolizar cosas como el agua, el tiempo y el sueño.

dance photography tutorial

Equipo

Me encanta el dicho: «No es la cámara, sino el fotógrafo quien toma buenas fotos». A menudo trato de desanimar a la gente de adquirir equipos caros y también trato de mantener simple mi equipo. Sin embargo, la tecnología moderna puede aumentar en gran medida tus oportunidades de tomar buenas fotos de danza aun sin suficiente práctica. Esencialmente estás fotografiando en un entorno extremo. La iluminación es por lo general muy oscura y los bailarines se mueven muy rápidamente.

Yo recomendaría una DSLR que tenga buena reputación para tomar fotos con un ISO elevado. Muchas veces necesitarás aumentar el ISO al máximo. También sería útil que la cámara tenga una tasa alta de fotogramas (HFR) que te permita tomar una secuencia de varias fotos. El 90% de las veces, cuando estás tomando fotos en el escenario, no te permiten usar el flash, así que tener un lente «rápido» también puede ayudar. «Rápido» significa que el lente tiene una apertura máxima de usualmente f/2.8 o más. Normalmente, también me parecen muy útiles los teleobjetivos con una distancia focal de 85mm o más.

Los lentes de autoenfoque también son importantes porque casi todas las cámaras son difíciles de enfocar manualmente con poca luz. La siguiente foto muestra por qué no funciona muy bien fotografiar la danza con un lente gran angular directamente desde debajo del escenario. Las líneas del cuerpo de la bailarina están distorisonadas, el ángulo en contrapicado no es favorecedor y se ve demasiado el fondo. Estos problemas se roselverían alejándse un poco y ampliando con un teleobjetivo.

dance photography tutorial

Iluminación

El mayor reto para muchos fotógrafos es la iluminación. Como dije arriba, el equipo puede ayudar, pero es importante entender los fundamentos de cómo interactúa la luz (especialmente la luz del escenario) con tu cámara. Primero, debes evaluar el color de la luz. Esto en realidad implica dos cosas: la temperatura del color (balance de blancos) y el color percibido. Todas las fuentes de luz artificial producen luz que no es exactamente blanca. Las luces fluorescentes son un poco verdes, las luces de interior o de tungsteno son anaranjadas. Nuestros ojos se adaptan naturalmente, pero si empiezas a observar, por lo general podrás darte cuenta. Este fenómeno es lo que describimos como la temperatura del color.

Si tu cámara lo permite, sugiero encarecidamente que vayas a la configuración de balance de blancos y ajustes manualmente la temperatura del color, que estará en Kelvin o simplemente K. Los números más bajos son para una luz más anaranjada o roja, los números más altos son para una luz más blanca o azul. Pero a menudo las luces del escenario tienen un gel de color, lo que quiere decir que tienen filtros coloreados en ellas para ponerlas intencionalmente de un color diferente a fin de lograr un efecto dramático. Las luces con gel y las cámaras digitales no combinan bien. Las cámaras digitales tienden a sobresaturar este tipo de luz, lo cual genera un aspecto artificial con un brillo tipo neón e incluso causa una pérdida del detalle en las áreas bien iluminadas.

En todos los casos en los que se usa luces con gel, yo iría a la configuración de la cámara y simplemente disminuiría la saturación al máximo posible. Aún verás el color, pero este no va alterar nada. Las fotos de abajo son ejemplos de cuando tomas una foto con una saturación normal y con la saturación baja. Observa el brillo del neón a la izquierda. Esto a veces se puede emplear para crear una foto interesante, pero el efecto se debe usar con moderación.

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Planos

A veces la foto de un bailarín en una pose con un fondo llano puede tener mucho poder (incluso hay una en este artículo), pero todos hemos visto muchas veces este tipo de fotos y se pueden volver un poco aburridas. Imagina un libro solo con este tipo de fotos, sería un poco redundante, como un manual de instrucciones. Como en muchos otros tipos de fotografía, crear planos es tus fotos realmente las coloca fuera del montón.

Busca cosas para encuadrar en el primer plano o trata de llenar el fondo con otros bailarines o elementos. Busca decoraciones interesantes en el fondo o toma una foto de los bailarines de atrás a través de los bailarines del frente. En lugar de fotografiar de frente el escenario, muévete hacia un lado. Esto desplazará a muchas de las demás personas en el escenario detrás de tu sujeto. La foto de abajo es de una sesión de square dance. La silueta de los bailarines en la pared me permitió reflejar a los verdaderos bailarines en dicho elemento del salón. En términos artísticos esta técnica se llama «repetición de la forma».

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Movimiento

Hablando en términos artísticos, vamos a hablar de las cuatro maneras tradicionales en que los artistas crean la ilusión de movimiento en sus obras. La primera técnica se llama «movimiento anticipado». Este principio es un poco difícil de explicar. Para probar esto hay que pensar en qué pasaría si la foto o pintura cobrara vida súbitamente. ¿El sujeto se caería? ¿Se rompería la pierna? Básicamente si la pose del sujeto es imposible de mantener por unos momentos en suelo firme, entonces has logrado el efecto. Nadie puede simplemente flotar en el aire, así que si vemos una foto así, sabremos que la persona estaba saltando.

La segunda técnica tiene muchos nombres, pero básicamente se refiere a los contornos borrosos. Esto se puede lograr disminuyendo la velocidad de obturación. A veces puedes hacer un paneo con el sujeto de manera que este se vea más nítido que el fondo o a veces puedes permitir que su movimiento borroso contraste contra un fondo estático.

La tercera técnica es bastante difícil de lograr sin un flash de tecnología de punta. Se llama «formas múltiples». A menudo ves que se usa esta técnica en diagramas técnicos cuando una persona aparece en varias posiciones superpuestas en la misma imagen.

La última técnica para crear una ilusión de movimiento en realidad no muestra el movimiento físico, sino que solo ofrece al espectador varias cosas para mirar en la foto y por lo tanto hacen que el ojo se mueva por la imagen. La técnica de la repetición de formas logra esto la mayoría de las veces. La foto de abajo es un buen ejemplo de movimiento anticipado (y un mal ejemplo de crear planos). La bailarina se caería del aire si repentinamente cobrara vida.

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Momento

Las siguientes pocas secciones van a ser consejos y otros detalles para tomar en cuenta. Mientras que el movimeinto, la luz y los planos son cosas típicas en las que debes pensar en cada foto de danza, hay otros detalles que quizá solo emplees ocasionalmente.

La primera de estas es captar un buen momento. Todos los fotógrafos esperan que sus imágenes capturen un momento de alta emoción o acción, pero yo me estoy refiriendo a los pequeños momentos poco habituales. Estate atento a los detalles. Estos tal vez no sean lo más importante que pase en el día, pero pueden tener un sabor y una peculiaridad que realmente capture la escena en la que estás. La siguiente foto fue tomada en una boda. Mientras los adultos estaban bailando y socializando, estos niños estaban teniendo su propia fiesta.

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La pose

Muchas formas de danza se basan en diferentes posturas que se mantienen por breves momentos. Debes estar atento a estas poses. Los bailarines se congelan por una fracción de segundo dándote un respiro de tener que mantener una alta velocidad de obturación. Los bailarines también trabajan en la forma y postura de estas poses durante todas sus vidas para asegurar que se ven bien aun si las mantienen solo por una fracción de segundo. Estas poses a menudo se mantienen cuando la bailarina da una vuelta o cuando es cargada.

La siguiente foto muestra a dos bailarinas en clase trabajando en una de dichas poses. Si miras con atención, puedes ver que la bailarina más joven se esfuerza por imitar la postura de la bailarina mayor y con más experiencia.

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El detalle

Ten en mente que la danza es una experiencia de cuerpo entero y el cuerpo está hecho de varias partes. No tengas miedo de enfocar un movimiento específico de la mano o la posición de un pie cuando estés tomando las fotos. ¿Cuántas jóvenes que aspiran a ser bailarinas tienen afiches mostrando el primer plano de los pies de una bailarina calzando zapatos de ballet? Bueno, la siguiente toma es una variante de ese afiche, en este caso para los clientes de un bar entrenando para la escena del local.

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Combinando todo

La última foto en la galería de este tutorial tiene muchos de los elementos que he mencionado arriba. Fue tomada con un lente largo desde una posición por encima del nivel del piso. Los tonos no están sobresaturados a pesar de que se usó gel morado en las luces del escenario. Tiene muchos planos, pero todavía tiene un sujeto definido para el espectador. La serie de niñas visitiendo los mismos atuendos y sosteniendo el mismo accesorio crea una linda repetición de la forma, mientras que la presencia de varias caras y líneas convergentes conducen los ojos de los espectadores al rededor de la imagen sugiriendo movimiento.

Recuerda que parte de la fotografia es conocimiento, pero gran parte también es suerte. Sin embargo, tal como ganar la lotería, no ganarás si no juegas. Así que ve y juega. Cuantas más veces fotografíes sujetos que sean un reto, tanto más gratificantes serán los resultados.

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