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Photography

Cómo Procesar Fotos en el Orden Correcto para Obtener la Mejor Imagen Posible

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Difficulty:BeginnerLength:LongLanguages:
This post is part of a series called Better Photo Workflows: Post-Production.
In Defence of Presets: 5 Reasons to Automate Your Post-Production Workflow

Spanish (Español) translation by Naudys Angulo (you can also view the original English article)

Hay dos tipos de flujos de trabajo en la postproducción fotográfica: uno que es rápido y sucio, para las imágenes en un plazo límite, y uno para producir la mejor imagen posible, para cuando la calidad cuenta. Las herramientas y los procesos son más o menos los mismos, pero la forma de tomar decisiones y el tiempo que tiene para hacerlo son diferentes, en algunos casos radicalmente.

En este tutorial aprenderás el mejor enfoque de imagen posible. Mientras que muchos fotógrafos necesitan saber ambos flujos de trabajo, recomiendo que todo el mundo comience a aprender post-producción con el mejor método posible. Tratar de hacer las mejores imágenes que puedas es una forma más tolerante y gratificante de aprender post-procesamiento, y es aplicable a una amplia variedad de estilos de disparo.

Lo mejor posible es el método que uso con mayor frecuencia. Es el método que mis maestros me dieron, y ahora te lo paso a ti para que te lo apropies.

El Flujo de Trabajo

Hay cinco etapas para este flujo de trabajo:

  1. Preparación del archivo
  2. Pre-visualización
  3. Construir
  4. Preimpresión
  5. Producción

Antes de Que Empieces

En primer lugar, necesitará un bloc de notas o una aplicación de mantenimiento de notas para realizar un seguimiento de su trabajo. Prefiero usar un portátil para que no tenga que cambiar entre mis aplicaciones de imágenes y una aplicación de notas. Un papel suelto en una carpeta funciona bien, también.

Después de eso, la canalización de imágenes depende de usted. Este enfoque es independiente de la plataforma: este funciona de la misma manera, independientemente de la gestión de imágenes, el procesamiento en bruto y los programas de edición de ráster que prefiera. Normalmente utilizo Adobe Lightroom y Photoshop en estos días, y eso es lo que voy a enseñar aquí.

Nota: si estás desarrollando un cuerpo de trabajo (un conjunto de imágenes que van juntas), debes tomar todo una etapa a la vez: mueve todas las imágenes a la misma etapa antes de continuar. Esto mantendrá su trabajo eficiente, y le ahorrará de la tarea de la pesadilla de intentar emparejar una imagen sin tocar una ya terminada.

Además, si usted es un fotógrafo de gran volumen o de trabajo rápido, como un fotógrafo de noticias, por ejemplo, creo que hay mucha información buena para usted en este tutorial. Sin embargo, le sugiero que consulte nuestros cursos sobre fotografía de noticias y flujos de trabajo rápidos de Lightroom para obtener información específica para sus necesidades.

1. Preparación del Archivo

La preparación de archivos es el trabajo mecánico en un archivo de imagen para permitir el mayor rango de control creativo. Esta etapa incluye numerosos sub-pasos, y es fácil perderse en lo técnico. Tenga esto en cuenta: el propósito de la preparación del archivo es establecer usted mismo con buenos archivos que le permitirá alejarse de los valores por defecto y le dará la oportunidad de desarrollar y expresar un estilo fotográfico personal.

Con la mejor preparación posible de archivos, su objetivo es crear archivos de imagen en raw que no sean demasiado: archivos de alta calidad, legibles y flexibles, que estén listos para el ajuste creativo en Photoshop. Lightroom y Camera Raw que son grandes editores de imágenes paramétricas, y Lightroom ha absorbido muchas de las características de Photoshop (a menudo lo suficientemente bueno para un flujo de trabajo rápido y sucio), pero Photoshop todavía tiene el mayor control y ahí es donde harás lo más crítico de campo, piezas de detalle fino del proceso de post-producción.

Preparación de Archivos Raw

Vamos a definir los pasos clave. Aquí están las partes principales de la preparación de archivos raw (atajos marcados para Lightroom) en orden de operación:

  1. Procesamiento Predeterminado

    Ajustes cubiertos que se aplican a todo. Incluye la calibración de la cámara y del lente y la configuración de un perfil de color base. Para el Perfil de cámara, recomiendo Fiel o Neutral, aplicado como un preestablecido en la importación a Lightroom, para darle el mejor punto de partida. También puede crear perfiles de cámara y lentes personalizados.
  2. Balance de Blancos

    Esencialmente, haciendo que las áreas blancas en la imagen coincidan con nuestras expectativas de una escena. Un buen punto de partida es usar el Selector de Balance de Blancos (W) para seleccionar un área que debe ser neutra. Tenga cuidado, sin embargo, los colores de la memoria son poderosos: nuestra percepción de cosas como tonos de piel tiende a anular la neutralidad. De hecho, a menudo preferimos imágenes que no son un balance de blancos perfectamente neutro.
  3. Equilibrio de Color

    Los tonos medios son realmente mucho más importantes para nuestra percepción de una fotografía que los blancos. Cambiar el balance de blancos normalmente corrige el balance de color de tonos medios. A menos que estén descontroladamente fuera de línea, el ajuste del equilibrio del color de los medios tonos es más conveniente para Photoshop.
  4. Equilibrio de Negros

    Hacer que las áreas negras coincidan con nuestras expectativas de la escena. Una vez más, no necesariamente tiene que ser neutral. Añadir color a los negros puede hacer que se sientan más negro, y añade carácter o estado de ánimo. El equilibrio de color para calentar y balancear negro para enfriar puede dar un aspecto sutil de dividir-proceso. Utilice Tono Dividido (vea a continuación) para establecer el balance de negro.
  5. Corrección de la Exposición

    Ninguna imagen está perfectamente expuesta. Para reducir el recorte y mantener la mayor cantidad de información posible en la imagen, debe establecer el punto blanco y el punto negro. Para el punto blanco, mantenga pulsada Alt y arrastre el control deslizante de Exposición (la imagen se volverá negra) hasta que justo antes de que cualquier imagen comience a avanzar cautelosamente. Para el punto negro, mantenga pulsada Alt y arrastre el control deslizante de Negros (la imagen se convertirá en blanco) hasta que justo antes de que la imagen se arrastre de nuevo en el blanco. Recuperación y Relleno crea más tonos medios, pero también cambian la saturación, por lo que sugiero dejarlo tranquilo.
  6. Corrección de Brillo y Contraste

    Cree una imagen equilibrada, aunque ligeramente plana. Las altas luces usualmente necesitan tono, y las sombras necesitan separación. ¡Resista el impulso de hacerlo pop! Eso viene después. Los controles deslizantes de Brillo y Contraste son formas perfectamente legítimas de trabajar, en combinación con la Exposición y los Negros, pero en mi opinión son inferiores a una Curva de Tono (que mantiene puntos blancos y negros).  La Curva de Tono le permite afinar el contraste utilizando puntos en un gráfico. En la etapa de preparación, lo mejor es mantener este cambio de contraste global; No entrar en los ajustes locales de contraste todavía.
  7. Claridad

    La herramienta Claridad utiliza una baja cantidad de enfoque en un radio amplio: esto hace que las luces sean más claras y las sombras más oscuras. Cuidado, puede causar halos! Mejor utilizarlo muy poco, si acaso
  8. Intensidad y Saturación

    La Saturación afecta a todos los colores, La Intensidad afecta menos a los colores más saturados. Juntos, se pueden usar para crear un carácter de saturación. Para una saturación uniforme, cambie la Intensidad hacia arriba y Saturation hacia abajo. Para la saturación discrepante, cambie Intensidad hacia abajo y Saturación hacia arriba.
  9. Enfocando

    Un buen enfoque es una mejora final, realizada localmente y teniendo en cuenta múltiples factores de impresión. Lo planteo aquí simplemente para decir: ¡no! Las herramientas de Enfoque sólo existen en Lightroom para flujos de trabajo rápidos y sucios.
  10. Reducción de Ruido

    Por otro lado, y también se encuentra en Detalle, que sin duda puede hacer la reducción de ruido muy bien en Lightroom. La Luminancia corrige los píxeles que han reaccionado mal al tono equivocado, típicamente percibido en las sombras como grano. El Color corrige los píxeles que han reaccionado incorrectamente al color incorrecto, típicamente percibido como mancha, otra vez en las áreas más oscuras. El control deslizante Detalles proporciona un umbral. En los ajustes bajos, el efecto será pesado. En alta, otros artificios pueden ser creados.
  11. Tono Dividido

    El Tono Dividido controla el Matiz y la Saturación en las altas luces y Sombras, por lo general para agregar calidez y frescor a diferentes partes del efecto degradado. En general, le recomiendo que no cambie las altas luces con tono dividido: utilice el balance de blancos en su lugar para crear un color de tono de altas luces. Para controlar las sombras, añada más saturación de la que cree que necesita, mueva el control deslizante Balance para proteger los tonos medios, vuelva a seleccionar el matiz y vuelva a bajar la saturación.
  12. Conversión Blanco y Negro

    Hay varias maneras de convertir una imagen en color a una imagen monocromo. Algunas personas gustan de hacer la conversión en blanco y negro como un primer paso, pero creo que eso impide su comprensión de lo que es posible para una imagen y elimina cierta flexibilidad técnica. Me gusta usar una Pantalla Dividida Antes/Después (Mayús + Y) para ayudar a mantener un flujo natural entre los colores mientras hago la conversión. Además, la Recuperación y el Relleno funcionan bien con imágenes en blanco y negro.

Copias Virtuales

Un truco de preparación de archivos más útil y potente a tener en cuenta: Lightroom le permite crear una Copia Virtual (Control + ') de sus archivos. Estas copias no agregan nuevos archivos, son sólo interpretaciones alternativas de sus imágenes en raw. Las copias virtuales son una excelente manera de probar diferentes formas de procesar una imagen para ver lo que prefieres. Puedes hacer tantos como quieras.

2. Pre-Visualización

Pre-visualización es la evaluación de una imagen para decidir qué hacer con ella para que luzca de una cierta manera. Ser capaz de imaginar el potencial innato de una imagen, y saber lo que se ve bien, es lo que realmente distingue una maestro de la imprenta. Es un desafío para toda la vida y un proceso de aprendizaje permanente.

Con la práctica, la etapa de pre-visualización puede tomar sólo un par de minutos por foto. Saltar la pre-visualización, y no hay límite a la cantidad de tiempo que puede perder llevando su post-producción en la dirección equivocada. La cantidad de tiempo que pasa en la pre-visualización depende de cuánto tiempo tenga y la importancia de la imagen. En mi opinión, cada minuto empleado en pre-visualización es generalmente bien digno de él.

Definir la Imagen

Hacer una descripción conceptual y verbal de su imagen le permite entender y comunicar las ideas y emociones contenidas en la imagen. Le permite controlar una imagen por deconstrucción, y por lo tanto la reconstrucción.

Lea y describa la imagen con su audiencia en mente. Explique la imagen como si la estuviera explicando a un niño de cinco años, empezando por el contenido y los elementos concretos del cuadro. A continuación, describa los elementos abstractos: estado de ánimo, sentimiento, relaciones psicológicas de personas y objetos en la fotografía.

Concluya con lo que es lo que hace que la imagen interesante. Por lo general, hay algo que hace que la imagen sea única, incluso si no es intencional (estas cosas involuntarias son a veces las más maravillosas). Identificar este aspecto de la imagen le permite enfatizarlo desde el principio.

Si realmente quieres ser bueno en esta habilidad, practica describiendo tus imágenes a alguien que no pueda verlas.

Decide Cuál Será el Propósito de la Imagen

Sobre la base de lo que la imagen es, decidir a su audiencia. Por ejemplo, ¿esta foto será utilizada por un individuo, un periódico, una revista o una galería? Considere el contexto de la imagen. ¿Qué se mostrará junto a esta imagen?

Decide qué cambios hacer

Sobre la base de lo anterior, identifique lo que desea enfatizar y quitar énfasis para crear una imagen mejor. ¿Hay algo sobre el brillo, el contraste, la saturación y el enfoque que necesita una corrección y ajustes especiales?

Haga un Plan de Trabajo

¿Cómo va a ajustar la imagen? Haga un plan, desde el menos importante hasta el más importante. Comenzarás con los cambios grandes y pesados ​​en toda la imagen y trabajarás hasta llegar a los cambios finos en áreas importantes.

También planee sus descansos. Es improductivo trabajar en postproducción por más de 20 a 30 minutos a la vez.Tu ojo es un músculo- se fatiga.  Y no tome un descanso sólo para ir a ver otra pantalla! Tomar un descanso real y no engañar, sólo va a estar engañando sus imágenes.

Purple glass
Vidrio Púrpura. Teodora_Djordjevic / PhotoDune

3. Construyendo

Construir es el proceso de control y ajuste fino: enfatizar, atenuar y balancear una imagen. Si has hecho un buen trabajo en las partes anteriores del proceso, esta etapa puede ser muy expresiva y gratificante.

Ahora que tus imágenes están preparadas y tienes un plan de acción claro, finalmente es hora de enviarles a Photoshop (Control-E) para realmente hacerla cantar. Tiene dos herramientas principales para usar: capas y mezcla.

Capas

Las capas le permiten construir la imagen final sin alterar ninguno de los píxeles originales, y son la base de un flujo de trabajo no destructivo de Photoshop. Hay varios tipos importantes de capas y herramientas de capa:

Los Ajuste Capas son, francamente, increíbles. Con la combinación de sólo dos capas de ajuste-Curvas y Tono/ Saturación-puede cambiar cualquier cosa y todo sobre el aspecto de una imagen. Hay muchas otras capas de ajuste útiles, también.

Las Curvas merecen una mención adicional. Las curvas pueden modificar rangos específicos de tonalidad en su imagen, lo cual es inmensamente útil.  Después de haber realizado la mayoría de los cambios globales en Lightroom, las curvas en Photoshop se utilizan mejor para aplicar ajustes selectivos a áreas particulares utilizando máscaras de capa (véase más adelante). Los cambios de color también se pueden hacer con curvas, trabajando en los canales de color individuales. Siempre tenga en cuenta el brillo y el contraste cuando use curvas.

Las capas de mapa de bits, como su imagen, están basadas en píxeles y tienen un tamaño fijo. Vector Capas, sin embargo, son independientes de la resolución: expresan una relación matemáticamente definida entre los puntos. Son basados en matemáticas creando algunas posibilidades muy potentes, incluyendo cosas, útiles herramientas como caminos de recorte, máscaras y texto superpuestos.

Los Grupos de Capas permiten combinar y actuar sobre un conjunto de capas como una unidad. También son útiles para mantener su trabajo organizado, como una carpeta.

Las Máscaras de Capa controlan selectivamente qué partes de una capa tienen efecto. El blanco revela, el negro oculta, y los grises también trabajan. Tanto el Pincel (B) como los filtros funcionan con máscaras de capa.

Fusionando

Los Modos de Fusión controlan cómo se une cada capa a las capas que se encuentran debajo. El valor predeterminado es Normal o efecto completo para las capas de ajuste y la opacidad completa para las capas raster (basadas en píxeles). Hay cuatro categorías de fusión-aclarado, oscurecimiento, contraste que modifica, y que excluye-cada uno con varios modos.

Los modos de fusión cambian la tonalidad interpolando valores en su imagen. Pueden ser pesados, pero también conservan las relaciones tonales en la imagen de una manera que otros métodos no lo hacen. Los modos de fusión son una forma eficaz de compensar los cambios no deseados introducidos por otras capas de ajuste.

La mejor y más fácil manera de empezar con la mezcla es simplemente ajustar la Opacidad. Cualquier capa puede ser retirada del 100% para reducir su opacidad. Esta es una excelente forma de afinar los efectos. De hecho, en mi primera aplicación de una capa de ajuste por lo general voy más allá de lo que creo que la imagen podría necesitar, sabiendo que puedo marcar el efecto poco para hacer todo perfecto.

4. Pre-Impresión

Pre-Impresión es obtener un archivo listo para la salida. La parte creativa del proceso da lugar al re-muestreo técnico y al redimensionamiento, al enfoque local, a la adición de grano- y a la ejecución de cualquier toque final necesario para hacer que la imagen funcione con el formato de salida final.

Para la impresión, los toques finales suelen ser ajustes de contraste y nitidez para ajustarse a las cualidades del papel y la tecnología de impresión que utilizará. Para la web, normalmente significa optimización y compresión de un archivo grande a uno pequeño.

Esta etapa es todo acerca de la atención al detalle, y la prueba de su trabajo. Pre-impresión es una parte bastante rápida del proceso de postproducción general, pero es importante para hacerlo bien, ya que sin duda tiene tanto impacto sobre la calidad de la imagen como cualquier otra parte de las cosas.

Kaleidoscopic art illustration Artsy psychedelic pattern design
Fractal. Shottythefirst/PhotoDune5.

5. Producción

La impresión es la creación de la imagen fotográfica final. Para fines prácticos, podemos incluir el salvar imágenes para la web como una especie de "impresión".

Como etapa final en la postproducción, la impresión es en muchos sentidos un proceso entero en sí mismo. Hay muchas maneras de imprimir, cada una con cualidades y desventajas, demasiadas para enumerar aquí. Sin embargo, cualquiera que sea su medio, la impresión tiene los mismos pasos generales:

  1. Confirme los Medios de Impresión

    Desde las impresiones de inyección de tinta para impresoras de escritorio en las carteleras gigantes, cada proyecto tiene un conjunto de posibles medios de impresión y cada uno de esos medios tiene características físicas que determinar.
  2. Hacer una Prueba de Impresión

    La pantalla de su ordenador es una representación pobre de lo que la imagen final realmente lucirá cuando se imprime. La única manera de saber realmente es probarlo en su tamaño final en el medio elegido.
  3. Evaluar la Prueba de Impresión

    Observe la prueba de impresión, idealmente bajo las condiciones en las cuales se verá, y decida qué necesita ser corregido para hacerlo mejor.
  4. Corregir y Reimprimir

    Haga otra prueba de impresión. En algunos casos, puede salirse con la impresión de sólo una tira de la imagen si hay una parte en particular que necesita ser ajustada.
  5. Finalizar e Imprimir

    Realice las correcciones finales e imprima la imagen acabada. ¡Enhorabuena, lo has hecho!

Ahora Repite

Y ese es el mejor método de postproducción de imagen posible, desde el principio hasta el final: preparación de archivos, pre-visualización, construcción, preimpresión, producción. Creo que esta es una manera holística de pensar en la postproducción, con espacio para que los principiantes y los experimentados puedan organizar su trabajo y desarrollar sus habilidades.

Dése tiempo para acostumbrarse a trabajar con un patrón establecido. Imprima los pasos y peguelos a su pared, para que no se le olvide. Si te quedas con este método, con el tiempo las habilidades y el flujo de trabajo se convierten en una segunda naturaleza. Ahí es cuando la verdadera magia creativa y estilística sucede.

Como he dicho anteriormente, la postproducción es un desafío de aprendizaje permanente. ¡Espero que lo disfrutes tanto como yo!

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